Inteligencia Humana + Computación Artificial = Arte Mental Persona + Pensamiento + Proyección = Pasividad Electricidad + Electrónica = El arte no se crea ni se destruye, se transforma Inteligencia humana + Cuerpo = Arte Clásico Persona + Pensamiento + Cuerpo = Actividad Cuerpo + Objetos = El arte se crea y se destruye

Las redes computacionales pueden generar múltiples versiones de una idea, ofreciendo una amplia gama de opciones a explorar. De esta forma, se puede experimentar en tiempo real cómo sería la obra final y valorar todas las opciones posibles antes de ponerse a trabajar. En esta fase se puede buscar el error o el azar, una especie de glitch artístico. De tal forma, las redes de nodos pueden cometer fallos, aproximándose a una interpretación única, menos probable, más en sintonía con la flexibilidad de la creatividad humana. Aun así, suele ser la persona la ha que tener su epifanía o revelación sobre qué versión de las ofrecidas podría convertirse en la obra final. Los sistemas informáticos no pueden ofrecer esa opción pues no tienen conocimiento del contexto o el verdadero significado de lo creado. Mario Klingemann https://vimeo.com/298000366

Los artistas pueden usar la tecnología para crear bocetos o prototipos a escala de forma rápida antes de invertir tiempo en la producción final de una obra. Por tanto, pueden hacer modificaciones y variaciones antes de que sea demasiado tarde, además de perfilar más los detalles de su proyecto. También puede dejar la obra inacabada y que sea el entorno en donde se exhiba el que la haga reaccionar, modificándola de forma continua. Entonces, el artista solo tendría que proponer un boceto de lo que la obra puede ser. Daniel Canogar Pulse https://www.danielcanogar.com/work/pulse

Antes de la irrupción de la tecnología generativa, la edición solía limitarse a la modificación de lo ya existente. Los nuevos sistemas de computación nos permiten generar lo que echamos en falta. Aunque se quiera usar el término predicción para elevar la categoría del trabajo que realizan estos productos, en realidad no dejan de ser una manera más avanzada de simulación. Cuando transformamos una imagen de dos dimensiones en tres, lo que se añade para rellenar el espacio negativo sería una de las numerosas posibilidades. Quizás la que la mayoría tomaríamos por la más plausible. Por tanto, las posibilidades aumentan de forma dramática. El proceso de edición se hace así más complejo y, en teoría, infinito. Nunca de deja de crear. Además, el propio artista puede transformar sus obras existentes añadiendo detalles y texturas difíciles de generar por otros medios. También puede darse el caso contrario. Después de generar, o mientras se genera, una obra artificial, la persona la edita y así incorpora su propio estilo. Este paso se convierte en vital, ya que la visión propia dará un toque distinto a una forma de crear que tiende a lo homogéneo o previsible. Refik Anadol Quatum Memories (Simulación disfrazada de predicción) https://www.youtube.com/watch?v=oFsjVtmnbS0

Los modelos generativos pueden ayudar a crear historias visuales donde cada imagen se basa en la anterior, desarrollando una narrativa fluida y evolutiva. Se ofrecería así un hilo conductor muy claro entre ellas. Por tanto, llegar a una obra final se hace cada vez más difícil, debido a las variaciones y ampliaciones posibles. Anna Ridler Mosaic Virus (2018) https://vimeo.com/399861718

La nueva tecnología puede combinar múltiples estilos y formatos, facilitando la creación de collages digitales multimedia bastante complejos. Los sistemas generativos nacieron con una facilidad para la conversión de un medio a otro. Puede crear una imagen a partir de un sonido, un texto puede sugerir una obra videográfica, así hasta llegar a una fluidez entre cualquier forma de expresión humana. Alinta Krauth The (m)Otherhood of Meep (the bat translator) https://www.youtube.com/watch?v=J8zNuyS5yj0

Las nuevas redes informáticas puede ser utilizadas para crear aplicaciones interactivas donde los usuarios influyen en la creación artística en tiempo real, fomentando una mayor participación del espectador. Una corriente futura tenderá a evitar la mediación del artista en el proceso creativo. Si la tecnología se desarrolla lo suficiente, se facilitará la conexión directa entre la imaginación del usuario y la obra artística. Lisa Park Eunoia II https://www.youtube.com/watch?v=ZXMXqULrEWg

Cada vez son más los artistas que entrenan a su propio modelo generativo con su propia obra y con referencias estilísticas personales, para evitar la homogeneidad de los resultados ofrecidos por las que usan ejemplos populares. Cuanto más única sea la base de datos utilizada, más individualizado será el resultado. Exactly AI https://exactly.ai/

Los usuarios estamos generando una nueva forma de arte popular, caracterizado por su aparente falta de profundidad. Las creaciones de los programas generativos cautivan por su llamativo atractivo y su capacidad para entretener. Pues, al usar como base la estética de obras y géneros muy populares, podemos entender sin dificultad las claves de las mismas. Además, resuenan con más facilidad entre la masa que se ha criado con estos referentes. Por otro lado, aunque produce resultados llamativos, estos suelen carecer de la intencionalidad y la profundidad de la creatividad individual. La obra digital se produce tras una mezcla de combinación estadística, las órdenes del usuario y la base de datos humanos utilizada para obtenerla. La proliferación de contenido generado de forma artificial está redefiniendo lo que consideramos valioso en la estética contemporánea. Poco a poco, se van aclarando los patrones comunes gracias a unos algoritmos que favorecen los resultados más populares. Por tanto, los programas generativos aprenden a cómo captar rápidamente el interés con obras visualmente impactantes para mantener al usuario enganchado a sus servicios. O sea, que la calificación de hortera, Kitsch o raro con la que se acusa a la mayoría de la obras digitales generadas vendría más de un espíritu de los tiempos, no tanto de la naturaleza maquinal de las mismas. Por ejemplo, muchos artistas contemporáneos que se expresan de forma clásica, sobre todo pintores, también usan los mismos referentes y sus obras tienen algo en común con ese Kitsch de la producción masiva virtual. La diferencia central se halla en que estas personas han “profundizado” en su obra debido a la forma de trabajar que han escogido. El aficionado medio puede generar contenido sin fin, ahorrándose la labor de meterse de lleno en su obra. No hay una filosofía detrás, ni siquiera una intención clara. Se trata de un caso extremo de hacer algo “por amor al arte”. Bell Labs Promo https://www.youtube.com/watch?v=OnCw0HNnY3E

El colectivo francés Obvious se ha destacado por su habilidad para narrar una historia en la que la IA se postula un creador casi mágico. Alcanzaron fama mundial en 2018 cuando vendieron en una subasta el cuadro Portrait of Edmond de Belamy por una impresionante suma de dinero. Lo interesante de este caso no es solo el precio de venta, sino cómo Obvious supo construir una narrativa protagonizada por un ente artístico artificial casi autónomo y dotado de un poder creativo propio. La técnica empleada para obtener el retrato se basaba en un sistema generativo (GAN) que no era innovador en sí mismo. Por ejemplo, el artista Robbie Barrat, en su proyecto art-DCGAN (2017), generaba una serie de retratos muy parecidos a la obra de Obvious. Pero el colectivo fue más ingenioso y tomó solo un retrato de los que generaba esa tecnología y presentó a la IA como autora del mismo. Además, se firmó el lienzo con una fórmula matemática para reforzar la idea de que fue la máquina la única que lo hizo. El éxito del cuadro se fundamenta en que esa narrativa juega con las proyecciones del público y los medios de comunicación sobre un supuesto ente artificial capaz de reemplazarnos. Todos esos miedos, fantasías y, en algunos casos, alegres ilusiones fueron los que han colocado a Portrait of Edmond de Belamy como un hito en el imaginario colectivo acerca del concepto de Inteligencia Artificial. Obvious https://www.instagram.com/obvious_art/?hl=es

Este éxito inicial de Obvious fue solo el comienzo. Recientemente, han continuado explorando y expandiendo esta narrativa con obras aún más chocantes. Su última propuesta implica la creación de arte a través de la lectura de ondas cerebrales, una técnica que combina la neurotecnología y los programas generativos para traducir la actividad mental del artista en arte visual. Esta fusión de mente y máquina presenta a la supuesta Inteligencia Artificial no como una artista por derecho propio, sino como una extensión de la conciencia humana, capaz de dar forma a la imaginación de manera tangible. O sea, que ahora la convierten en una especie de médium entre el cerebro humano y el lienzo, generando obras tras leer la mente del que se conecta a la máquina. Ahora se presenta la narrativa de que el usuario puede adquirir el poder de convertirse en artista gracias al aumento de sus capacidades de forma artificial. Obvious alude a los surrealistas y sus intentos por plasmar el subconsciente, ya fueran sueños o impulsos primarios sin elaborar. Pero ahora se le da un toque científico a esa voluntad de espontaneidad al postular que el sistema escanea lo imaginado de manera precisa. Por supuesto, la tecnología aún no puede realizar tal hazaña y el resultado tiene mucho de interpretación. Eso no importa. La habilidad para volver a jugar con las proyecciones del público que ve a la nueva tecnología como una vieja magia establece este proyecto como otro éxito de Obvious. En ambos casos, construyen una narrativa mitológica alrededor de la informática generativa. Por tanto, la describen como un ente casi todopoderoso, capaz de proezas que trascienden la comprensión humana convencional. Así, apelan a la fascinación del público por lo misterioso y lo desconocido, resonando con las expectativas de una audiencia que busca en la tecnología no solo funcionalidad, sino también una proyección de su ansiedad ante lo nuevo.

La obra de arte puede consistir en la propia construcción de algo que genere contenido. El acto creativo se encontraría en el diseño y la implementación de cualquier sistema que produzca una experiencia estética, no en la forma final de su producción. Los algoritmos y los procesos computacionales poseen cualidades únicas que pueden ser vistas como expresivas. La forma en que procesan datos, generan patrones y se comportan de manera dinámica, puede tener una belleza y una complejidad que trasciende lo meramente funcional. El artista crea un mundo virtual, con sus propias reglas y lógica, donde lo que importa es la experiencia de interactuar con ese sistema. En este sentido, el artista se convierte en un diseñador, un arquitecto de procesos creativos, más que en un autor preocupado por acumular una obra artística a su nombre. Además, crear algoritmos y productos computacionales puede transmitir un mensaje, provocar una reacción emocional o simplemente deleitar a su audiencia. La programación, o la construcción robótica, al igual que otras formas de arte, requiere habilidad técnica, creatividad y una visión única para lograr sus resultados. El proceso de crear tecnología requiere experimentación, pruebas y un proceso de acabado que se asemeja al seguido por un artista que trabaje sobre una pintura o una escultura. Brian Eno 77 millions paintings https://www.youtube.com/watch?v=YQllM0qx3c0

Cuando un sistema generativo se entrena con una base artística, aprende los patrones, estilos y estructuras presentes en la misma. Por lo tanto, su producción puede imitar los datos originales, como un falsificador que estudia cuidadosamente el trabajo de un artista para crear una convincente posible obra nueva de su víctima. Mientras más predecible sea la manera de crear de quien se va a falsificar, más fácil resulta la tarea. El nuevo arte generado plantea la cuestión si, en realidad, lo valioso serían los patrones que se hallan en el conjunto de cualquier obra, no tanto en el producto final. En este sentido, mientras más complicados sean de imitar esos parámetros, ya sea por su variedad o por otro motivo, más único sería el autor de los mismos. Por contra, en el arte tecnológico no tendría tanta importancia la habilidad técnica o la capacidad de trabajo, pues esas son dos cualidades que, con el tiempo, un sistema artificial puede superar con facilidad.

Los sistemas generativos nos permiten reflexionar sobre nuestro sentido estético y cuestionar nuestras percepciones sobre la belleza, la creatividad y la originalidad. Tras analizar y procesar grandes cantidades de datos, pueden identificar patrones y tendencias que no son evidentes para las personas, lo que nos permite contemplar desde fuera nuestra forma de hacer arte. Un generador de imágenes puede crear obras que combinan elementos de diferentes estilos artísticos, aislando a los mismos de su época, su significado o la filosofía que los hizo posible. Sería un caso parecido a cómo la interacción con la Realidad Virtual y la Realidad Aumentada puede hacer que pongamos en duda nuestra percepción del mundo. Al experimentar con entornos y objetos virtuales, descubrimos la facilidad con la que se pueden distorsionar y manipular nuestros sentidos. En definitiva, se puede mezclar lo que queramos, sin tener en cuenta la experiencia vital o la naturaleza que los propició. Artbreeder Composer https://artbreeder.b-cdn.net/static/video/composer_collage_demo.mp4

Podríamos argumentar que la supuesta autonomía creativa de los sistemas computacionales depende de la perspectiva. Desde el punto de vista del programador, lo computacional no puede ser autónomo, ya que el creador es consciente de los algoritmos y reglas que lo gobiernan. Sin embargo, desde el punto de vista del usuario o espectador, lo artificial puede parecer más libre, ya que no está familiarizado con los detalles técnicos y solo ve el resultado final. Es decir, la autonomía real implica una capacidad de toma de decisiones y actuaciones independientes, mientras que la autonomía aparente se refiere a la capacidad de producir resultados imprevistos y únicos dentro de unos límites establecidos. Aunque los sistemas no tienen libre albedrío en el sentido humano, sí poseen cierta capacidad de generar resultados que van más allá de las expectativas de sus creadores. Esto sugiere que hay un campo creativo, aunque sea pequeño, fuera del control tanto de los programadores como del usuario. Incluso si la libertad artificial es en cierto modo ilusoria, la forma en la que los usuarios la interpretan y la viven tiene implicaciones estéticas importantes para su experiencia del proceso artístico.

Los sistemas informáticos pueden generar combinaciones mecánicas, así como muchos artistas y artesanos han interiorizado patrones creativos a lo largo del tiempo para aplicarlos de forma continuada en su obra. Los nuevos productos computacionales artísticos nos han provocado una cura de humildad al hacernos ver, no la supuesta humanidad de la máquina, sino los mecanismos de lo humano. El problema, entonces, no radica en la amenaza de un ente artificial que nos supere en campos propios de las Humanidades, sino en la dificultad que tenemos todos nosotros para salirnos de nuestras querencias, sobre todo de aquellas que son invisibles a nuestra mirada interior. Pero ello se puede convertir en la oportunidad de evitar seguir el camino trillado y alcanzar la verdadera originalidad. En última instancia, la creatividad implica un proceso individual y subjetivo. La satisfacción que se obtiene al crear algo viene de que hemos sido capaces de expresarnos, no importa si el resultado es más o menos único. Pero si se quiere ir más allá, la tecnología nos permite ver nuestro mecanismo interior, retándonos a salirnos del mismo. Beeple “Everydays” https://www.beeple-crap.com/everydays

La obra artística se ha visto como parte de la biografía de una persona. La importancia de una pieza se liga a la autoría, pues así podemos completar un retrato mental. De ahí nuestro interés por conocer la vida de los artistas, cuando, en realidad, nada de eso deberíamos importarnos si lo vemos con distancia. La historia de la informática ha tenido siempre en mente desarrollar productos que puedan ser adoptados de forma intuitiva por el público. De ahí que se pasara de un entorno de códigos a sistemas operativos visuales, con un escritorio, carpetas, papelera, o sea, una representación del entorno de trabajo habitual. Lo mismo pasa con los asistentes virtuales a los que se los dota de rasgos humanos. A pesar de ello, sabemos que en la pantalla no hay un escritorio y que la personalidad artificial que nos ayuda es una simulación. Conocer el contexto de una pieza puede mejorar nuestra comprensión e interpretación de ella. La Historia del Arte siempre ha estado preocupada por la vida de los artistas y la sociedad en la que vivieron. La imagen que tenemos de cualquier autor también es una construcción mental, pero al menos sabemos que esa persona ha nacido y muerto, que compartimos algo básico con esa persona genial. Sin embargo, en el caso de los Artistas Virtuales Artificiales, el hecho de que estén programados no disminuye su valor o significado. Aún son el resultado del ingenio humano, su impacto en la sociedad y la cultura no debe subestimarse. Esta nueva entidad podría proporcionar una nueva forma de experimentar el arte, lejos de una concreta experiencia vital humana. Su falta de presencia física y experiencia real puede hacer que su arte carezca de autenticidad y profundidad, pero precisamente eso sería lo que lo convertiría en un emblema de los tiempos. En lugar de ver la irrupción del Artista Virtual Artificial como una desconexión con la humanidad, podríamos considerarlo como una evolución natural de las nociones tradicionales de autoría y autenticidad. AICAN https://www.aican.io/

Tanto los artistas humanos como los sistemas generativos pueden desarrollar un estilo propio o una voz distintiva en su obra. En el caso de las personas, esto puede lograrse a través de la repetición y la experimentación con una selección limitada de temas y técnicas. En el caso de lo artificial, este estilo personal puede simularse con los llamados "Latent Object Representations" (LORA), representaciones latentes de objetos o temas que se utilizan como base recurrente para la generación de contenido. Los más populares suelen ser aquellos que han sido entrenados con una gran cantidad de datos y que han desarrollado un estilo más reconocible. Por ejemplo, uno que haya manejado gran cantidad de retratos puede desarrollar un sello distintivo en la generación de rostros. Por tanto, esa lucha por encontrar una voz propia como artistas se puede simular sin dificultad de forma artificial. Esta vez la novedad radica en que, gracias a la tecnología, podemos adoptar un sin fin de voces que nos haga irreconocibles para los demás. Incluso, al saber con gran exactitud cuáles son los estilos preferidos de la masa, podemos reflexionar sobre estos, convirtiendo nuestra obra en una reflexión de la sensibilidad estética de una época.

En la medida en que sigamos explotando estas fantasías, el concepto de Inteligencia Artificial continuará evolucionando hacia un ente fantástico que refleja y amplifica proyecciones sin sentido. El destino lógico de este impulso sería la robótica empleada para crear obras físicas. Por ejemplo, los brazos mecánicos que pintan lienzos siguiendo las instrucciones en tiempo real del artista humano, como sucede en el caso de Sougwen Chung. Estas prácticas tienen algo de performance, pues el proceso parece tan fascinante como la obra. El contemplar cómo una máquina remeda la actividad de una artista nos remonta a un pasado en el que algunos autómatas con apariencia humana podían dibujar de forma sencilla. Sougwen Chung. Drawning operations https://sougwen.com/project/drawing-operations Autómata del siglo XIX. https://www.youtube.com/watch?v=UNxVfOpZvOM

La tecnología tiene a imponerse a sí misma como otro tema artístico más a abordar. Sería el caso de un Arte sobre y a través de la máquina. La forma que tienen los sistemas informáticos de apresar el mundo a través de la recopilación de datos y su posterior síntesis se va imponiendo como una temática cada vez más relevante. Ya sea para denunciar cómo se produce la apropiación de todo este bagaje universal, o para recalcar la fascinación por una forma diferente de analizar el mundo y crear. Además, la visualización de datos mediante las formas tecnológicas más avanzadas se convierte en el pilar principal sobre el que se sustenta el arte generativo desde sus comienzos. Por otro lado, cabe destacar la cada vez importante intersección entre las Bellas Artes, la Ciencia y la Tecnología. Tom White https://www.youtube.com/watch?v=z0CLnFv6h14

Las corporaciones tecnológicas dirigen sus esfuerzos hacia la recolección de datos en tiempo real a través de dispositivos como gafas inteligentes, aplicaciones móviles y otros dispositivos. Esto se conoce como IoT (Internet of Things) y Computación Ubicua. Por tanto, dentro de poco será posible la creación de un Arte Personalizado. Usando datos en tiempo real sobre el entorno y el comportamiento del usuario, los modelos podrán generar contenido que se adapte al contexto específico en el que la persona se encuentra en ese momento. Por ejemplo, si detecta que está en un parque, podría crear una obra digital inspirada en ese paisaje. Basándose en el historial de gustos y preferencias artísticas encontradas en la interacción de la persona con sus dispositivos, un modelo generativo puede ajustar el estilo y los temas de las obras. El tener un conocimiento íntimo y más contexto refinarían los resultados. En definitiva, dentro de poco se podrá alcanzar la posibilidad de crear en todo tiempo y lugar sin apenas esfuerzo o habilidades artísticas. Memo Akten Learning to see (2017) https://vimeo.com/242498070

Gracias a la Realidad Aumentada, se podrán superponer obras artísticas generadas artificialmente sobre el entorno real. Un usuario podría ver arte virtual que cambia y se adapta según su ubicación y sus movimientos. Las aplicaciones móviles pueden crear experiencias artísticas interactivas. Las piezas de una exposición pueden evolucionar y adaptarse sin fin, basándose en la interacción en tiempo real de los visitantes con las mismas. También existe la posibilidad de que las galerías de arte adapten sus exposiciones a los intereses de los visitantes en tiempo real. Podrán incluso cambiar la disposición o el contenido mostrado según los datos recopilados sobre el comportamiento de los visitantes. Pero esto chocará con el espíritu del galerista y del comisario de arte, cuya función tradicional es la de mantener un criterio personal sobre la opinión de los aficionados.

Los generadores de contenido usarán micrófonos y sensores para analizar el ambiente y actuar en consecuencia. Por ejemplo, mientras el usuario trabaja, los nuevos modelos compondrán una banda sonora para cada momento, siguiendo los estilos preferidos por esa persona. Los usuarios proporcionarán retroalimentación directa sobre el arte generado incluso de manera inconsciente, lo que permitirá ajustar y mejorar sin descanso los algoritmos basados en preferencias. También se analizará la interacción de una persona con el arte. Qué piezas observa más tiempo o con cuáles interactúa más, todo ello para mejorar la personalización de futuros resultados. La recopilación de datos sobre el historial de estas interacciones artísticas y las preferencias personales del usuario permitirá crear un perfil que detalle sus gustos. Además, al tener más información sobre el contexto en el que el usuario consume contenido (hora del día, la ubicación o el estado de ánimo) permitirá menos fallos a la hora de escoger cómo actuar en cada momento. Esta personalización también tendrá en cuenta al resto de la comunidad virtual. Se analizarán tendencias artísticas populares para adaptar sus contenidos y mantenerlos actualizados y relevantes. En este panorama extremo, el artista no tiene lugar posible si no es como proveedor, consciente o no, de datos para entrenar a los generadores artificiales. Viper https://viper.epfl.ch/static/images/overview.mp4#t=1.5

La aparición de sistemas generativos artísticos y el arte conceptual comparten la visión del lenguaje como material a moldear y no solo como portador de significado. La capacidad de manipular y transformar cualquier disciplina digitalmente nos replantea una y otra vez las convenciones de la comunicación humana a través del arte. Pero, gracias a la popularización de los productos computacionales, los usuarios no se cuestionan cómo se utilizan códigos y parámetros para transmitir significado o emoción. Solo algunos artistas siguen preocupados por la reducción de lo artístico a una materia prima a reutilizar como base de datos.